Quarto dia de Festival Matias

 

Adailtom Alves Teixeira[1]

Sexta-feira 13, dia mais que especial na programação do VIII Festival Matias de Teatro de Rua. Uma noite em que as mulheres brilharam do início ao fim. Tudo se anunciava como rio que quer transbordar. Ao chegar à praça, observei algumas crianças que, acompanhadas de suas mães e cheias de alegria, dirigiam-se à sorveteria: “Vamos tomar sorvete!”. Eram essas mesmas crianças que, pouco depois, após o anúncio da palhaça Tinnimm (Selma Pavanelli), adorariam ser molhadas pelas palhaças Tapioca e Girassol, no espetáculo As Charlatonas.

As charlatonas - Trupe-Açu

A Trupe-Açu, de Tocantins, nos brindou com um espetáculo de contradições, em seu melhor sentido, seja na composição da dupla, seja nos interesses de suas personagens: uma quer empreender e ganhar muito dinheiro; a outra deseja melhorias para a humanidade. Nesse sentido, uma está voltada para os negócios (ou seria a sobrevivência?), enquanto a outra se dedica à ciência, mas ambas estão comprometidas com o riso. À medida que o espetáculo se desenvolve, vamos descobrindo os nomes de diversas mulheres inventoras e cientistas, como Marie Curie (1867–1934), que no trabalho apresentado, a coloca como descobridora dos elementos químicos rádio e polônio. Tudo isso entre habilidades circenses, gags e outros tantos recursos próprios da palhaçaria.

A pesquisa realizada por Ester Monteiro (Tapioca) e Giovana Kurovski (Girassol) é absolutamente encantadora, pois nem sempre é fácil transformar aspectos históricos e científicos em dramaturgia. A presença feminina também domina a ficha técnica da Trupe-Açu. Vale mencionar mais duas mulheres: Karla Concá, na direção, e Tetê Purezempla, responsável pela trilha sonora original.

Giramunda Circo - Cia Tangerina

Depois entrou em cena a Cia. Tangerina, de Rondônia, com um espetáculo de variedades focado em técnicas circenses. A palhaça Giramunda, em diálogo direto com o público, especialmente com as crianças, que naquela noite estavam muito participativas, chega em sua perna de pau e apresenta diversos números de malabares (aros, claves e bolas), pirofagia e, ao final, uma surpresa: sai a palhaça e entra a atriz-manipuladora com seu teatro em miniatura. Por ser um solo, todo o jogo se estabelece de modo direto com o público, e Tábatta Iori não perdeu essa relação em nenhum momento.

Criado pela própria artista, o espetáculo contou com a orientação técnica de Catin Nardi e Zaca Reis. Foi uma noite para observar a diversidade de estilos de palhaças e também de conteúdos abordados. Se a Trupe-Açu investe mais na visualidade, a Cia. Tangerina segue por um caminho mais minimalista. Essa diversidade é muito interessante de observar, pois demonstra que não existe um modo único de fazer a palhaçada de rua. Cada trabalho tem sua linguagem e suas escolhas, e ambos disseram a que vieram.

O terceiro trabalho da noite veio de Pernambuco: BRUFFA, espetáculo concebido, escrito, dirigido e interpretado por Bruna Florie, que, a partir do uso de uma máscara e de um figurino que remetem aos corpos socialmente marginalizados, constrói uma presença cênica potente. Depois de pedir licença, transbordou em uma fala cortante, que foi contagiando todas, todos e todes. Um misto de prosa e poesia popular nordestina, que questiona os apagamentos promovidos pelo patriarcado ao longo de tanto tempo: quantas ruas com nomes de mulheres existem aqui, pergunta a personagem?

Bruffa - Casa Brincante do Alto da Boa Vista

A recriação de músicas populares também compõe esse manifesto. A conhecida Se essa rua fosse minha ganha outros sentidos: se essa rua fosse minha, eu mandava renomear/ colocaria aqui nomes de mulheres de quem a história precisa se lembrar// mulheres que o machismo tentou silenciar. Bruffa, ou Ana Doida, distribuiu balas para as crianças e também energias para tantas mulheres presentes na noite de ontem, para que continuem em luta.

A personagem Ana convoca as mulheres a olharem atentamente, inclusive para dentro de si mesmas, pois, se as mulheres são natureza, a cura também pode estar dentro de cada uma. Diante de um manifesto dessa dimensão, foi impossível seguir diretamente para outro espetáculo. Era preciso parar, abrir espaço para a partilha, ouvir e acolher.

Fuzarca - TruPior

Depois de alguns goles de água, choros, falas potentes e abraços, seguimos para o quarto espetáculo da noite. Era momento de rir, mas sem perder a reflexão. De Mato Grosso do Sul veio a TruPior, com o espetáculo Fuzarca. A Pior Palhaça do Mundo (Ludmila Lopes), Seriguela (Nilce Maciel) e Lacre (Lucrécia Prieto) fazem jus ao título do trabalho. Como toda a classe trabalhadora, são exploradas e já estão cansadas de tanta exploração. Para completar, acabam jogadas no olho da rua, tendo que se reinventar. Decidem, então, criar o próprio circo, com seu próprio espetáculo. Afinal, se as trabalhadoras e os trabalhadores fazem de tudo, mas não ficam com os frutos do que produzem, talvez, ao criarem o próprio espetáculo, possam ter um destino diferente.

Entre músicas e números que buscam espantar a fome, como a pirofagia e o ato de comer uma bexiga, a fome, entretanto, permanece, e elas precisam continuar se reinventando enquanto o espetáculo acontece. Aqui, a relação com o público também é direta, exigindo muita participação. Inclusive a deste escrevinhador, que acabou sendo “vítima” das três palhaças. Há uma dureza no que se apresenta, amenizada pelo riso, mas alguma coisa continua a martelar em nossas cabeças sobre o mundo à nossa volta. A dramaturgia é de Ludmila Lopes; a operação de som, de Mariane Rodrigues; o cenário, de Nilce Maciel, Ed Alvarenga e Damata; o figurino, de Depoisdofim; e o beat, de Marin Od$.

Adriana Cruz, Natália Siufi, Ester Monteiro e Adailtom Alves

A noite ainda contou com o lançamento de diversos livros, em um encontro no qual as mulheres eram maioria entre as autoras e também tiveram espaço para compartilhar suas experiências e reflexões. Cabe destacar as falas potentes de Adriana Cruz, professora da Escola de Teatro e Dança da UFPA (ETDUFPA) e integrante do Grupo In Bust Teatro com Bonecos, de Belém/PA, acerca da importância de ocuparmos a universidade; Natália Siufi, integrante do Mamulengo Riso Frouxo e do Grupo Xingó, de São Paulo/SP, que nos brindou com poesias do livro Fogo; e Ester Monteiro, da Trupe-Açu, de Palmas/TO, que falou da trajetória do grupo. Mais um momento de partilha, no qual a produção artística e intelectual das mulheres também ocupou a praça.

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[1] Professor da Universidade Federal de Rondônia, doutor e mestre em Artes (Área de Concentração: Artes Cênicas), graduado em História, um dos fundadores da Rede Brasileira de Teatro de Rua (RBTR) e integrante do Teatro Ruante.

 

Terceiro dia de Festival Matias

 

Adailtom Alves Teixeira[1]

A programação do VIII Festival Matias de Teatro de Rua continua fervilhando em cinco cidades acreanas, tendo Rio Branco como polo central, na Praça Povos da Floresta. No terceiro dia, as atividades começaram cedo, logo pela manhã, com uma vivência da CHAP – Companhia Horizontal de Arte Pública, coletivo do Rio de Janeiro, que apresentou um pouco de sua proposta de horizontalidade e de carnavalização do teatro de rua. A atividade aconteceu no histórico Cine Teatro Recreio, inaugurado ainda na década de 1940, que preserva sua fachada original e que costuma abrigar uma programação de cinema e artes cênicas.

À noite, apesar das chuvas no final da tarde e no início da noite, a programação não precisou ser adiada, e três espetáculos foram apresentados ao público.

Miséria - Romualdo Freitas em cena.

Quem abriu a programação foi Miséria – retirância sertaneja, da Associação Cultural Boi Maracatu, de Pernambuco. Trata-se de um trabalho que reúne muitas e diversas referências, além da plasticidade característica do grande artista Romualdo Freitas, que se autodenomina um brincador. A própria construção do espetáculo, segundo o artista, aconteceu em errância, uma vez que ele tem dividido sua vida entre diferentes cidades brasileiras, em três regiões: Nordeste (Pernambuco), Norte (Belém e Rio Branco) e Sudeste (São Paulo). Essa construção se deu em diálogo com os diversos territórios por onde passa, o que faz com que o trabalho também seja único a cada apresentação.

O espetáculo começa com uma instalação na praça e investe em outros sentidos, para além da visão e da audição. Aborda a vida de Gabriela, uma mulher condenada a enfrentar uma série de misérias, tanto sociais quanto decorrentes das muitas violências que atravessam sua existência. Na composição da instalação, o artista utiliza elementos próprios do lugar, conferindo ao trabalho especificidades que somente quem assistiu à apresentação em Rio Branco poderá guardar na memória. É o caso da cena em que, aos pés da estátua em homenagem a Chico Mendes, estabelece um diálogo sem resposta com o militante que tanto contribuiu para a pauta ambiental e afirma: "a vingança tarda mais não falha". Uma frase que se abre a muitas interpretações: de quem seria essa vingança?

Construído em errância e discutindo cenicamente também os prejuízos provocados pelas tantas errâncias de nordestinos e nordestinas, o espetáculo termina com a personagem vagando pelas ruas de Rio Branco, como mais um corpo dentre tantos outros marginalizados e esquecidos pelos poderosos. É difícil passar ileso pelo trabalho de Romualdo Freitas, pois ele continua a ecoar em nossos corpos e mentes, como faz toda arte potente.

O segundo espetáculo veio do Amazonas: Experiência flutuante, do Circo Caboclo. O trabalho mistura circo, dança e lendas amazônicas. Ao se perguntarem o que existe além da curva do rio, Jean Winder, Luiz Gustavo e Laísa Silva brindam o público com uma série de números acrobáticos, de equilibrismo e, inclusive, com o elemento aéreo, por meio do tecido acrobático. Neste último, há uma excelente simbiose entre corpo e natureza, com a utilização de uma árvore como estrutura. No entanto, confesso que fiquei um pouco apreensivo, como o circo costuma fazer: enquanto acompanhava a apresentação, me perguntava se o galho sustentaria o artista.

Circo Caboclo

A direção é de Jean Winder, que, a meu ver, fez uma escolha delicada. A palavra, isto é, as histórias levadas à cena, não chega a potencializar o espetáculo, pois as intervenções ficam um tanto estanques diante da força dos números apresentados. Penso que uma integração maior entre essas narrativas e as ações circenses faria o trabalho crescer ainda mais. Desse modo, a lenda acaba servindo apenas para justificar o número, quando poderia estar organicamente integrada à cena, ampliando a força dessas histórias amazônidas. De todo modo, cabe destacar o grande domínio técnico dos três artistas na execução dos números circenses.

Encerrando a noite, tivemos um grupo local, Madame Mucura, com o espetáculo Cadê a banda?. O coletivo é formado por jovens artistas recém-formados pela Universidade Federal do Acre, e este é seu primeiro trabalho de rua, inclusive a primeira apresentação propriamente dita em espaço público aberto, uma vez que as anteriores haviam acontecido em escolas.

Inspirado em muitas referências, mas especialmente na música A Banda, de Chico Buarque, o espetáculo amplia o sentido da canção, aludindo a todas as artes, que, por onde passam, mobilizam e transformam o entorno. Desse ponto de vista, constitui um grande libelo aos artistas que, apesar das dificuldades, insistem em continuar criando e imaginando mundos. E, por falar em imaginar mundos, a peça apresenta duas cidades fictícias, Brancópolis e Feiópolis, que, penso eu, não ofereceram ao público qualquer dificuldade para reconhecer as cidades às quais fazem referência. Mas poderiam ser quaisquer cidades amazônicas, sobretudo quando reconhecemos as comidas, os gostos, os sotaques e os lugares.

Madame Mucura

O espetáculo ainda tem muito a crescer, à medida que encontrar novos públicos e ocupar outros espaços, mas já se apresenta como um trabalho delicado e aconchegante. Um musical que traz muitas questões sobre o tempo presente e que merece muito ser visto. Que a banda, essa arte de todo dia, seja cada vez mais respeitada! A direção e a dramaturgia são de Guilherme Fiesca e Sky Wendel, que também estão em cena, ao lado de Ray de Araújo e Maysa Costa.

Por fim, é importante apresentar um pouco do homenageado, a pessoa que dá nome ao festival. Matias foi o nome artístico de José Marques de Sousa (1937–1997), seringueiro, poeta, dramaturgo, ator, diretor e importante liderança social e cultural acreana. Nascido no seringal Restauração, em Tarauacá, cresceu entre os caminhos da floresta, aprendendo desde cedo os ofícios da extração do látex e os saberes da vida na mata. Em 1969, deixou o seringal e chegou a Rio Branco com a família, trazendo consigo as marcas de uma vida atravessada pelo trabalho e pela experiência dos trabalhadores da floresta. Na cidade, aprendeu a ler por meio do Movimento Brasileiro de Alfabetização (MOBRAL) e encontrou nas Comunidades Eclesiais de Base um espaço de participação e organização coletiva. Aproximou-se dos movimentos populares, da Teologia da Libertação e de lideranças como Chico Mendes, participando também da fundação do Partido dos Trabalhadores no Acre. Sua trajetória foi a de alguém que fez da própria experiência uma forma de compreender e enfrentar as desigualdades.

José Marques de Sousa, o Matias

No teatro, Matias encontrou uma maneira particular de transformar vivências em ação coletiva. A partir de 1978, iniciou um trabalho teatral com moradores do bairro Baía, em Rio Branco, fazendo da cena um lugar de encontro, denúncia e afirmação popular. À frente do grupo De Olho na Coisa e, posteriormente, envolvido com o Teatro Barracão, fez da arte um território de partilha, no qual a vida cotidiana, as dificuldades e os sonhos da população se transformavam em matéria teatral. Sem grandes aparatos, mas com a força da participação comunitária, seu teatro aproximava arte e realidade, fazendo dos moradores também protagonistas de suas próprias histórias. Escreveu peças sobre questões sociais, religiosas e ambientais e desenvolveu ainda projetos de arte-educação para crianças, com apoio do UNICEF.

Matias compreendia que o teatro não precisava estar distante da vida: podia nascer no bairro, ocupar as ruas, reunir pessoas e devolver-lhes a possibilidade de se reconhecerem como sujeitos de sua própria história. Seu legado permanece vivo. Homenageá-lo, dando seu nome a este importante festival, é também manter viva sua memória e sua história.

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[1] Professor da Universidade Federal de Rondônia, doutor e mestre em Artes (Área de Concentração: Artes Cênicas), graduado em História, um dos fundadores da Rede Brasileira de Teatro de Rua (RBTR) e integrante do Teatro Ruante.

 

A alegria tomou conta da Praça Povos da Floresta

 

Adailtom Alves Teixeira[1]

O VIII Festival Matias de Teatro de Rua teve início no dia 10 de novembro, em Rio Branco/AC. Como acontece desde a primeira edição, todos os artistas participantes se concentraram na Praça da Revolução e, de lá, seguiram em cortejo pelas ruas até o local das apresentações. O cortejo convocou o público e celebrou a democracia, tema desta edição. Como afirmou Oswald de Andrade, a alegria é a prova dos nove. E foi justamente a alegria que imperou nessa abertura: alegria do encontro entre artistas de dez estados brasileiros; alegria de expressar-se no espaço público aberto (o mais democrático de todos); alegria da troca, dos encontros e reencontros.

Vida de Boneca.

Quem abriu a programação da noite foi o espetáculo Vida de boneca (Boneca Lili e Cia. – RJ), com a atriz-bonequeira Fernanda Machado, que trouxe a boneca Lili para brincar com crianças de todas as idades. Em sua primeira vez no Acre, a artista, sabiamente, pediu licença para povoar o território, pisando devagarinho no chão, como manda a tradição. O diálogo é direto, olho no olho. Tendo como foco especialmente os pequenos, o espetáculo recupera, pela memória dos pais, as brincadeiras de outros tempos, anteriores aos eletrônicos — principalmente ao celular —, entre as quais cabe mencionar o morto-vivo. A ludicidade tomou conta dos corpos, especialmente com os aviões de papel, uma brincadeira que poderia ter sido ainda mais explorada, afinal, muitas outras pessoas também desejaram lançar um daqueles aviões. Músicas infantis de outrora também povoaram a mente dos presentes. A orientação/direção é de Eduardo Duwal, e o acompanhamento musical fica por conta de Pablo Henrique, que, com seu violão e a interação com Lili, torna o trabalho ainda mais interessante.

O segundo espetáculo da noite veio do Paraná, da Cia. Os Palhaços de Rua, que pela quarta vez esteve em Rio Branco, dessa vez com Domadores de Gunguzara, criado a partir de esquetes tradicionais — o que demonstra que elas continuam funcionando, e muito bem. A dupla, formada por Adriano Gouvella e Lucas Turino, que se uniram ainda na graduação, está com o jogo cada vez mais afinado. Embora utilizem, na maior parte do tempo, a divisão clássica, em alguns momentos invertem os papéis, ou seja, dominante[2] e augusto trocam de lugar. Há um rápido aquecimento do público, que, penso eu, quando a dupla se apresenta isoladamente, deve durar um pouco mais. Tudo é feito pelos próprios artistas, da estruturação do espetáculo à produção; atuação e até mesmo a operação de som fica a cargo deles. Tudo à mostra, magia sem segredo. Cabe destacar que um dos artistas ainda está se recuperando de uma cirurgia e que, não fossem as próprias piadas com as quais entregava o fato, ninguém saberia. A diversão foi garantida, e toda a gente pôde voltar feliz para casa: público e artistas.

Domadores de Gunguzara

A produção do festival, como sempre, está dando um show de acolhimento, com uma equipe cada vez mais potente e atenciosa. A idealização e a realização do Festival são da Cia. Visse e Versa de Ação Cênica, capitaneada por Lenine Alencar e Cláudia Toledo. Cabe mencionar também, durante a programação desta edição, a palhaça Tinnimm (Selma Pavanelli), responsável pelo cerimonial.

Nota final: Devido às chuvas, os espetáculos que seriam apresentados dia 11/11 foram redistribuídos nos dias 12 e 13/11 também na Praça Povos da Floresta

 

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[1] Professor da Universidade Federal de Rondônia, doutor e mestre em Artes (Área de Concentração: Artes Cênicas), graduado em História, um dos fundadores da Rede Brasileira de Teatro de Rua (RBTR) e integrante do Teatro Ruante.

 [2] Estou utilizando o termo adotado por Ésio Magalhães (palhaço Zabobrim), que relatou sentir certo incômodo ao ministrar suas oficinas de palhaço com a denominação branco e augusto. Por isso, adotou o termo dominante para o primeiro. E, como a língua é viva, reflitamos e sigamos adiante. Cf. Disponível em: https://www.instagram.com/p/DfXYIxRhqGg/.

 

O teatro de rua em festa no Acre

      

Adailtom Alves Teixeira

O Festival Matias de Teatro de Rua chega à sua oitava edição. Idealizado e realizado pela Cia. Visse Versa, o evento ocupará cinco cidades do Acre, de 10 a 15 de novembro de 2026, e reunirá coletivos teatrais das cinco regiões do Brasil.

Tive a felicidade de ver esse festival nascer e de participar de quase todas as edições, com exceção de uma. Pude, assim, acompanhar desde o início sua parceria com a Rede Brasileira de Teatro de Rua (RBTR), único movimento teatral nacionalmente organizado desde 2007. O Acre, aliás, já recebeu dois encontros presenciais da RBTR e um encontro híbrido no período pós-pandemia, realizado como parte da programação do Matias.

O Festival Matias é um dos maiores da região Norte do Brasil e tem como foco a ocupação dos espaços públicos abertos. Essa escolha revela uma preocupação que vai além de ampliar o acesso da população ao teatro: expressa também uma maneira de pensar e vivenciar a cidade. O teatro de rua não se limita a transferir espetáculos para um espaço aberto. Ao ocupar ruas e praças, transforma esses lugares em espaços de encontro, convivência e fruição artística; aproxima a arte do cotidiano e convida quem passa a interromper por alguns instantes o caminho, tornando-se espectador. Cada vez mais penso que o teatro é um ato de amor à humanidade. Quando ocupa a rua, essa força se amplia: potencializa afetos entre artistas e público e também entre cidadãos e cidadãs e os lugares onde vivem. É, ainda, uma forma de afirmar que a cidade é um espaço comum, que pode ser vivido e partilhado por todos.

O Festival Matias já nasceu grande e, desde o início, buscou chegar a mais pessoas e lugares. Embora Rio Branco seja sua principal praça, o evento também leva apresentações a outros municípios, como Senador Guiomard, Plácido de Castro, Bujari e Porto Acre. Assim, o festival assume seu sentido maior de festa e celebração: amplia o acesso da população às artes cênicas e promove o encontro entre produções locais e nacionais.

A programação é diversa e reúne espetáculos teatrais e circenses, intervenções, ações formativas, lançamentos de livros e uma discussão sobre o fazer teatral de rua em articulação com a RBTR. Nesta edição, o público poderá acompanhar grupos e artistas do Acre, Amazonas, Pará, Rondônia, Tocantins, Mato Grosso do Sul, Pernambuco, Paraná, Rio de Janeiro e São Paulo.

A abertura acontecerá no dia 10 de novembro, em Rio Branco, com um Cortejo Cênico, a partir das 16h. A concentração será na Praça da Revolução, de onde o cortejo seguirá até a Praça Povos da Floresta. No local, terão início as apresentações da programação com os espetáculos Vida de Boneca, da Boneca Lilica e Cia. (RJ), e Domadores de Gungunzara, da Cia. Os Palhaços de Rua (PR).

Nos próximos dias, escreverei outros textos sobre a programação. Abaixo, um pouco mais sobre o festival, em texto produzido pelos organizadores.

Sobre o Festival

Em sua 8ª edição, o Festival Matias de Teatro de Rua movimenta a cena cultural do Acre ao reunir produções de diferentes regiões brasileiras em uma programação gratuita, que circulará por diversos municípios. Neste ano, o festival traz como tema a relação entre arte e democracia e compreende a arte pública como espaço de participação, diálogo e exercício da cidadania.

De acordo com o coordenador do projeto, Lenine Alencar, da Cia. Visse e Versa, a comunidade é a protagonista das ações do festival. “Quem é protagonista de todas as ações do festival é a própria comunidade. A ideia é que ela se inteire, participe e possa dialogar. Por isso, vamos ocupar a Praça Povos da Floresta não somente com espetáculos, mas também com lançamentos de livros e um seminário para discutir arte pública e democracia, além de promover um diálogo sobre teatro e arte pública na Amazônia”, destaca.

O festival é uma realização da Cia. Visse e Versa, Cultura Viva, Federação de Teatro do Acre (FETAC) e Rede Brasileira de Teatro de Rua (RBTR). O evento é financiado pela Política Nacional Aldir Blanc de Fomento à Cultura (PNAB), do Governo Federal, por meio da Fundação Elias Mansour, em parceria com o Sebrae, a Prefeitura e a FUNCET – Senador Guiomard.

O público pode acompanhar as novidades e a programação completa do festival pelo perfil oficial no Instagram: @festivalmatiasdeteatroderua. As inscrições para as atividades formativas também estarão disponíveis no Instagram e no site oficial do festival: https://www.ciavisseeversa.com/festival-matias.

SERVIÇO

O que: VIII FESTIVAL MATIAS DE TEATRO DE RUA

Quando: 10 a 15 de novembro de 2026

Onde: Rio Branco (Praça Povos da Floresta), Senador Guiomard, Plácido de Castro, Bujari e Porto Acre.

PROGRAMAÇÃO

RIO BRANCO

10 DE NOVEMBRO

16h – Cortejo Cênico – Concentração: Praça da Revolução

18h – Vida de Boneca – Boneca Lilica e Cia. (RJ)

Praça Povos da Floresta

19h – Domadores de Gungunzara – Cia. Os Palhaços de Rua (PR)

Praça Povos da Floresta

11 DE NOVEMBRO

18h – MISÉRIA – Retirância Sertaneja – Mascaramento Grupo Associação Cultural Boi Maracatu (PE)

19h – Fuzarca – TruPior (MS)

Praça Povos da Floresta

12 DE NOVEMBRO

14h – As Charlatonas - Trupe Açu Cia. de Circo (TO)
Escola Lindaura Martins Leitão

16h – As Pelejas de Aruna na Folia da Sete Estrelas – Mamulengo Riso Frouxo, de Natália de Nia (SP)

Escola Raimundo Hermínio de Melo

18h – Experiência Flutuante – Espetáculo Acrobático - Circo Caboclo (AM)

Praça Povos da Floresta

19h – Cadê a Banda? – Coletivo Madame Mukura (AC)

Praça Povos da Floresta

13 DE NOVEMBRO

15h30 – Experiência Flutuante – Espetáculo Acrobático – Circo Caboclo (AM)
Escola Santa Maria II

17h – Cadê a Banda? – Coletivo Madame Mukura (AC)

Praça Povos da Floresta

18h – Giramunda Circo e Performance – Cia. Tangerina (RO)

Praça Povos da Floresta

19h – BRUFFA – Casa Brincante do Alto da Boa Vista (PE)

Praça Povos da Floresta

14 DE NOVEMBRO

CULTURA NA PRAÇA – Sebrae/AC

17h – Encontro de Teatro Lambe-Lambe

Quanto Custa o Ovo? – Teatro de Caixa (Lambe-Lambe) Romualdo Freitas (PE)

Apurinã – O Ritual - Cia. Flor de Muçambê (AC)

Encantaria – Teatro Lambe-Lambe Trupe SolaGasta (RO)

Praça Povos da Floresta

18h – Pinóquio – In Bust Teatro com Bonecos (PA)

Praça Povos da Floresta

19h – As Pelejas de Aruna na Folia da Sete Estrelas – Mamulengo Riso Frouxo, de Natália de Nia (SP)

Praça Povos da Floresta

20h – Feminina Voz do Samba: O Bar da Dona Clementina – Moças do Samba (AC)

Praça Povos da Floresta

15 DE NOVEMBRO

CULTURA NA PRAÇA – Sebrae/AC

17h – As Charlatonas – Trupe Açu Cia. de Circo (TO)

Praça Povos da Floresta

18h – Contos, Cantos & Encantos – CHAP – Companhia Horizontal de Arte Pública (RJ)

Praça Povos da Floresta

19h – Mestre Dondino e Banda (AC)

Praça Povos da Floresta

SENADOR GUIOMARD (QUINARI)

11 DE NOVEMBRO

14h – As Charlatonas – Trupe Açu Cia. de Circo (TO) – Escola Veiga Cabral

14h – Contos, Cantos & Encantos – CHAP – Companhia Horizontal de Arte Pública (RJ) – Escola 15 de Junho

 

PLÁCIDO DE CASTRO

11 DE NOVEMBRO

14h – BRUFFA – Casa Brincante do Alto da Boa Vista (PE) – Escola João Ricardo

14h – Pinóquio – In Bust Teatro com Bonecos (PA) – SESC – Plácido de Castro

 

BUJARI

12 DE NOVEMBRO

14h – Fuzarca – TruPior (MS) – Escola São João Batista

 

PORTO ACRE

12 DE NOVEMBRO

14h – Domadores de Gungunzara – Cia. Os Palhaços de Rua (PR) – Escola José Plácido de Castro

 

OFICINAS

12 DE NOVEMBRO | 8h às 12h

O Indivíduo Coletivo – Teatro, presença, território, ritmo e criação coletiva – CHAP – Companhia Horizontal de Arte Pública (RJ) – Cine Teatro Recreio, Rio Branco – AC.

13 DE NOVEMBRO | 8h às 12h

Teatro de Rua, Mamulengo e Comicidade Popular – Com Natália Siufi, do Grupo Xingó e Mamulengo Riso Frouxo (SP) – Cine Teatro Recreio, Rio Branco – AC.

 

LANÇAMENTO DE LIVROS

13 DE NOVEMBRO | 20h

Praça Povos da Floresta, Rio Branco – AC

FOGO – Organizadoras: Natália Siufi e Isabel Nascimento
Editora AVA, 2023.

Poéticas do afeto no teatro de grupo: trânsitos e alianças entre os criadores no teatro de Belém do Pará (1976–2016). Valéria Frota de Andrade – Coleção 60 anos da ETDUFPA.

Círio de Nazaré: a festa da fé e suas (re)significações culturais – 1970–2008. Ivone Maria Xavier de Amorim Almeida – Coleção 60 anos da ETDUFPA.

Zimba: a espetacularidade gestual dos dançarinos de carimbó na Amazônia. Eder Robson Mendes Jastes – Coleção 60 anos da ETDUFPA.

O Futuro Não Pode Esperar. Adailtom Alves Teixeira – Editora Temática, 2026.

SEMINÁRIO DE TEATRO DE RUA – ARTE E DEMOCRACIA

14 DE NOVEMBRO | 8h às 12h

Praça Povos da Floresta, Rio Branco – AC

Breve Cena: Cotidiano Mulher – Interpretação/adaptação: Selma Pavanelli; Direção: Adailtom Alves; Texto: Andressa Ferrarezzi

UMA FERA EM DEFESA DA AMAZÔNIA

 

Adailtom Alves Teixeira[1]

Quem tem um amigo tem tudo, cantou Emicida, e foi graças ao amigo Nonato Tavares (a quem agradeço imensamente) que tive a felicidade de conhecer uma mulher extraordinária: Olga D'Arc Pimentel. Atualmente aposentada, mas sempre inquieta, continua a militar por uma causa fundamental: a Amazônia; melhor dizendo, pela permanência da vida humana neste mundinho chamado Terra. Sua militância vem de longe. Ela se contrapôs aos desmandos da ditadura civil-militar e participou do amplo movimento de luta para arrancar do Estado o SUS – Sistema Único de Saúde.

Olga D`Arc Pimentel - Foto Adailtom Alves

Olga D'Arc, que carrega os nomes de duas heroínas, mora em um flutuante na comunidade Nossa Senhora do Livramento — logo ela, que diz não professar nenhuma fé. Além do flutuante, porém, criou uma maloca em terra firme, onde pisa descalça em busca de conexão. Ali procura unir os saberes acadêmicos aos saberes ancestrais, especialmente os dos povos originários. Em sua visão, essa convergência de conhecimentos poderá nos salvar como espécie. Alguém duvida? Basta observar os recordes de temperatura desde 2024, os constantes alertas dos cientistas acerca da emergência climática e o El Niño deste ano.

Para que se tenha uma dimensão um pouco maior de Olga, basta lembrar uma homenagem recebida no Dia Mundial do Meio Ambiente, em 2021, na Universidade Leonel Brizola. Na placa está gravada a seguinte frase: "Seu amor pelo Amazonas fez dela uma fera que nem onça". Essa bruxa — na melhor acepção que a palavra possa ter — enfrenta mares revoltosos cotidianamente e, para tanto, carrega seu cajado sempre à mão. A canoa, sempre amarrada ao flutuante, é seu principal meio de transporte.

Ela nasceu em Goiânia. Socióloga de formação, teve de migrar, em 1969, para o Rio de Janeiro, em razão das perseguições políticas. Em 1987 iniciou seu trabalho na Fundação Oswaldo Cruz – Fiocruz. Apesar de já aposentada, mantém laços com a instituição justamente por conta da maloca, onde desenvolve atividades em parceria com o pajé Gabriel Gentil, do povo Tukano.

A práxis defendida por Olga foi exposta em um poema-manifesto, publicado no livro Poetas de Manguinhos II, organizado por Antenor Amâncio Filho, Luiz Fernando Ferreira e Pedro Teixeira. Seu poema-manifesto chama-se "Arca de Noé II – Brasil dois mil", no qual defende que precisamos voltar "ao estágio primitivo do ser", pois, depois de 500 anos de história, da Revolução Industrial e da revolução tecnológica, o chamado progresso apenas nos trouxe problemas com os quais hoje precisamos lidar. Afinal, ela acredita que quem possuir "águas limpas e florestas" será potência.

Daí a tarefa da Arca, que consiste justamente em "recuperar as águas e florestas do Brasil". Hoje, ela já defende que devam existir muitas arcas, para que possamos reverter os problemas historicamente produzidos. É preciso atentar para a necessidade de uma mudança de mentalidade: "A Terra, como as Águas e o Ar / Não podem ser propriedade privada".

A função das Arcas é ocupar áreas degradadas. É isso o que ela chama de óbvio em seu manifesto, embora ainda precise ser dito. Um exemplo desse processo foi construído em sua própria comunidade. Olga saía recolhendo o lixo jogado nos espaços abertos e no rio. De tanto insistir — isto é, educando pelo exemplo ou, como nos ensina Paulo Freire, aproximando o discurso da prática —, hoje já são muitas as pessoas que repetem o gesto de recolher todo o lixo. A coletividade passa, assim, a cuidar da própria comunidade.

Outro pressuposto defendido é que, na Arca, não deve haver dinheiro, apenas troca, e ela seria organizada do seguinte modo:

Serão duzentas pessoas, sendo quarenta por cento

De músicos (pra tocarem pros bichos, águas e árvores)

O restante por gente de qualquer espécie.

Trinta por cento de crianças e adolescentes,

Quarenta, pelo pessoal da segunda e terceira Idade

E vinte por cento, pelo pessoal da quarta e quinta Idade.

Teremos vários templos: o dos Ensinamentos (a educação

Será ministrada pelas próprias crianças com supervisão dos

Sábios e anciões); o da Conversa Filosófica; da Meditação

Pura e Simples; do Amor e do Sexo, das Artes; etc.

O trabalho coletivo não será superior a quatro horas

Diárias. As vinte horas restantes para cada um fazer

O que bem entender...

 

Depois dessa etapa, chamada “É Óbvio”, vêm as seguintes: "No cu pardal" e "Caguei Redondo", expressões que Olga afirma utilizar cotidianamente em situações hilárias, mas que, no contexto do manifesto, adquirem grave seriedade.

A primeira constitui um chamado à ciência, ou melhor, aos cientistas, para que conheçam o próprio território e adotem exclusivamente a nossa língua na produção do conhecimento; nada de idiomas alienígenas. Não se trata, penso eu, de nenhum "quaremismo" ao modo barretiano. Como ela deixou escapar em nossa conversa, a partir do ensinamento indígena, "língua é nação". Nosso saber deve ser voltado para dentro, e é urgente "retirar do império americano / O controle sobre as informações estratégicas da Amazônia", que até pode — e deve — ser internacionalizada para outras nações, mas sempre "sob o nosso controle". Por isso, "'No cu pardal' para os interesses estranhos" e para os estrangeirismos.

A terceira etapa do projeto seria um ataque aos "feudos familiares", isto é, ao latifúndio: "Cague redondo pras Capitanias Hereditárias". Esse sistema permanece firme desde o Brasil Colônia. Pois não é fato que a terra sempre foi um problema no Brasil, sobretudo em razão de sua concentração? Embora sejamos um país continental, jamais realizamos uma reforma agrária efetiva, e a terra continua concentrada nas mãos de poucas famílias, que detêm quase tudo, enquanto a esmagadora maioria se engalfinha por um pedaço de chão, seja no campo, seja na cidade.

Nesse sentido, as unidades federativas, na concepção de Olga, constituem um entrave ao avanço. Além disso, já acumulam uma dívida superior à da própria União e apenas contribuem para fortalecer a concentração fundiária. Por isso, ela defende uma reorganização estatal baseada apenas na relação entre municípios e União, com uma divisão geográfica pautada pelas bacias hidrográficas: "Os grandes rios como limites naturais das imensas regiões".

Os municípios deveriam ser reunidos por afinidade produtiva e possuir, no mínimo, a mesma extensão de áreas verdes que de áreas construídas. Ainda nessa etapa, também é preciso dizer o óbvio, afinal é no município que "você faz tudo: / Ama, casa, faz sexo, tem filhos, vive e morre".

Olga D'Arc, essa bruxa do século XXI, a quem saúdo e reverencio, finaliza:

As fronteiras internas são fictícias e

Pertencem a determinados grupos de elite

A despeito da multidão...

“Caguei redondo” às fronteiras absurdas

Que tentam separar o inseparável:

A brasilidade!

 

Manáos, 26 de julho de 2026.

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[1] Professor na Universidade Federal de Rondônia (UNIR); doutorado e mestrado em Artes pelo Instituto de Artes da Universidade Estadual Paulista (Unesp); Licenciado em História pela Universidade Cruzeiros do Sul; atualmente é coordenador do Curso Licenciatura em Teatro da UNIR; integrante dos grupos de pesquisas Práxis épico-populares em perspectivas críticas e PAKY'OP - Laboratório de Pesquisa em Teatro e Transculturalidade, no qual coordena a linha de pesquisa Memórias da Cena Amazônica; ator, diretor, dramaturgo; integrante do Teatro Ruante; autor dos livros O futuro não pode esperar (Temática, 2026), Circo Teatro Palombar: somos periferia; potência criativa (Fala, 2024), Teatro de rua: identidade, território (Giostri, 2020).

Resistir à manada: absurdo e o tempo dos rinocerontes

Adailtom Alves Teixeira[1]

Nascemos em meio aos humanos, mas tornar-se humano é um exercício diário, árduo e inacabado. É preciso cultivar a humanidade como se cuida de coisas delicadas, pois o é, e com atenção, constância e a consciência de que o abandono, mesmo breve, pode custar caro. Humanizar-se não é um estado dado pela biologia, mas uma conquista permanente da consciência — e é exatamente essa fragilidade que nos torna capazes tanto da criação de maravilhas quanto da barbárie. Para não sucumbir às aberrações que habitam em nós e ao nosso redor, é preciso escolher, todos os dias, não virar rinoceronte. Trago aqui a imagem da peça de Eugène Ionesco (1909-1994), para dialogarmos sobre teatro e sobre nosso tempo histórico.

O teatro que nasce do horror

Ionesco pertence ao chamado Teatro do Absurdo, expressão cunhada em 1961 pelo crítico húngaro Martin Esslin para reunir uma geração de dramaturgos do pós-Segunda Guerra Mundial. Ao lado de Samuel Beckett, Arthur Adamov e Harold Pinter, entre outros, Ionesco (romeno radicado na França) forjou uma linguagem teatral radicalmente distinta da tradição realista, capaz de dar forma ao que o realismo não conseguia dizer.

O Teatro do Absurdo não é um movimento organizado nem um gênero estrito, mas uma tendência estética marcada por traços reconhecíveis: diálogos fragmentados e repetitivos que expõem a incomunicabilidade humana; personagens aprisionados em situações sem saída ou sem sentido; narrativas que rompem com a progressão lógica e com a coerência psicológica convencional; e uma cenografia que potencializa o nonsense em vez de ocultá-lo. Com humor ácido, sua lógica é a da desorientação, e seu efeito mais profundo é o desconforto, isto é, a sensação de que aquilo que vemos no palco é, afinal, o retrato do mundo real[2].

Esse é um teatro que nasce diretamente do trauma. Pois pode-se afirmar que antes das duas grandes guerras, especialmente a segunda que se inicia em 1939, a Europa acreditava no progresso, na ciência e na razão como garantias de civilização. Auschwitz, Hiroshima e outras barbaridades provaram que a razão pode ser instrumento de extermínio tão eficiente quanto qualquer irracionalismo. A geração do absurdo viveu esse colapso na própria carne — muito embora, é preciso lembrar sempre, que o mesmo horror vivido internamente já era exportado para as colônias africanas e asiáticas há séculos por essas mesmas potências europeias. O absurdo no palco era a tentativa de refletir e refratar um mundo que havia perdido o direito de se chamar racional.

A metamorfose como metáfora política

Desse modo, em O Rinoceronte (1959), Ionesco condensa esse diagnóstico em uma história bastante perturbadora e que ecoa em nosso tempo. Numa cidade provinciana qualquer, os habitantes começam, um a um, a se transformar em rinocerontes, inicialmente com espanto, depois com entusiasmo, por fim com a naturalidade de quem adere à manada sem sequer perceber o momento exato da rendição, apenas seguiu o troar do bando. Se na peça a metamorfose é física, é importante destacar sua natureza política e moral: trata-se da destruição do humanismo, da capitulação do pensamento crítico diante do totalitarismo, da substituição da consciência individual e da substituição de uma consciência coletiva que zela pela dignidade humana por outra pautada em interesses mesquinhos.

A peça, encenada pela primeira vez em Düsseldorf em 1959 e logo levada a Paris, foi escrita tendo como contexto a ascensão do nazifascismo europeu que Ionesco testemunhou pessoalmente na Romênia dos anos 1930. Mas sua ressonância transbordou o contexto de origem: O Rinoceronte fala de qualquer tempo em que o ódio se torna norma, em que a brutalidade se veste de senso comum e em que resistir parece, aos olhos da maioria, uma excentricidade patética. Em tempos de recrudescimento do neofascismo internacional ou se se quiser, de extrema direita, que vem ganhando eleições em diversos lugares do globo, da retórica de ódio normalizada nas redes sociais, de democracias corroídas por dentro, a peça de Ionesco continua atual.

O último homem

Na história, a personagem central, Bérenger, vai assistindo, impotente, à transformação de todos ao seu redor. Colegas, amigos, autoridades — ninguém resiste. Até Daisy, sua namorada, a última aliada, cede. E Bérenger fica sozinho, ao final, diante do espelho, inicia seu monólogo que é ao mesmo tempo derrota e manifesto, constatação e grito por mudança:

Afinal, um homem não é tão feio assim. E no entanto, nem sou daqueles que fazem parte dos bonitos! Acredite, Dayse! (Volta-se.) Dayse! Dayse! Onde você está, Dayse? Não faça isso! (Encaminha-se correndo para a porta.) Dayse! Sobe! Volta, Daysinha! Você nem sequer almoçou! Dayse, não me abandone! Que foi que você me prometeu? Dayse! Dayse! (Desiste de chamá-la, faz um gesto de desespero e volta a entrar no quarto.) Evidentemente, a gente já não se compreendia. Igual a um casal desunido. Já não era possível... [...] Infelizmente, nunca serei rinoceronte, nunca, nunca! Nunca poderei mudar. [...] Muito bem! Tanto pior! Eu me defenderei contra todo o mundo! [...] Contra todo mundo, eu me defenderei! Eu me defenderei contra todo o mundo! Sou o último homem, hei de sê-lo até o fim! Não me rendo! (Ionesco, 1976, p. 233-236).

A fala não deixa de ser um gesto trágico. Bérenger não é um herói sem medo, ele é um homem comum, com suas fraquezas e contradições, que sente a perda da companheira antes de erguer o punho. Sua resistência não nasce da certeza ideológica de lutar pela derrota daquele mundo, mas de uma incapacidade de renunciar à própria humanidade. "Nunca poderei mudar" é, ao mesmo tempo, confissão e declaração de princípios: há algo nele que simplesmente não consegue se dissolver na manada, mesmo quando a manada ocupa todo o espaço, está em toda a sociedade.

É nessa recusa de misturar-se à manada que reside a potência da peça. Ionesco não nos oferece a redenção coletiva nem a esperança de uma vitória do bem contra o mal, se quer há essa caracterização maniqueísta. Oferece apenas um homem, sozinho, que persiste na sua teimosia em continuar sendo humano.

Atualmente, resistir ao horror cotidiano — imposto por um mundo em crise econômica, climática, política e moral — é necessário. Não é simples, não é indolor e exige uma energia que o próprio mundo em crise se encarrega de drenar. O cansaço é real. O isolamento, também parece ser. Evidente que, em um mundo real, concreto, a saída também não é individual, mas coletiva. De todo modo, voltar a Ionesco é perceber que a manada continua seu galope e o estrondo do rebanho parece atropelar as vozes discordantes, que insiste, como cantou Thiago de Mello (2009, p. 166), que “O homem[3] confiará no homem/ como um menino confia em outro menino”.

Mas resistir implica uma tarefa que vai além da própria sobrevivência: regar os desertos das consciências ao redor é urgente. Criar condições para que outros possam, também, escolher não virar rinoceronte. Ensinar, narrar, nomear — porque o totalitarismo começa sempre pela linguagem (Cf. Faye, 2009[4]), pelo esvaziamento das palavras, pela destruição da capacidade de distinguir o real do absurdo. Bérenger sabia que estava sozinho. Mas gritou assim mesmo. Gritemos e ajamos, de preferência, coletivamente!

 

Referências

ESSLIN, Martin. O Teatro do absurdo. Rio de Janeiro: Zahar Editores, 1968.

FAYE, Jean-Pierre. Introdução às linguagens totalitárias: teoria e transformação do relato. Trad.: Fábio Landa e Eva Landa. São Paulo: Perspectiva, 2009. (Col. Estudos; 261)

IONESCO, Eugène. O rinoceronte. São Paulo: Abril Cultural, 1976.

MELLO, Thiago de. Melhores poemas. São Paulo: Global, 2009.

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[1] Professor na Universidade Federal de Rondônia (UNIR); mestre e doutor em Artes pelo Instituto de Artes da Unesp; com Licenciatura em História pela Universidade Cruzeiros do Sul; atualmente é coordenador do Curso Licenciatura em Teatro da UNIR; integrante dos grupos de pesquisas Práxis épico-populares em perspectivas críticas: documentação de experimentos teatrais e PAKY'OP Laboratório de Pesquisa em Teatro e Transculturalidade: práxis, reflexões e poéticas pedagógicas, neste último coordena a linha de pesquisa Memórias da Cena Amazônica; um dos fundadores da Rede Brasileira de Teatro de Rua; integrante do Teatro Ruante; autor dos livros Circo Teatro Palombar: somos periferia; potência criativa (Fala, 2024), Teatro de rua: identidade, território (Giostri, 2020) e coorganizador de Paky`op: experiência, travessias, práxis cênica e docência em teatro (Edufro, 2022).

[2] Esslin, na introdução de seu livro, “O absurdo do absurdo”, após um diálogo com Albert Camus, cita o próprio Ionesco, que teria definido o termo do seguinte modo: “Absurdo é aquilo que não tem objetivo... Divorciado de suas raízes religiosas, metafísicas e transcendentais, o homem está perdido; todas as suas ações se tornam sem sentido, absurdas, inúteis”. Na sequência é o próprio Esslin quem define esse teatro que aborda o que ele chama de “sensação de angústia metafísica pelo absurdo da condição humana”, ao afirmar que “o Teatro do Absurdo procura expressar a sua noção da falta de sentido da condição humana e da insuficiência da atitude racional por um repúdio aberto dos recursos racionais e do pensamento discursivo” (1968, p. 20).

[3] Leia a palavra homem, como pessoa humana, não na acepção de gênero.

[4] O autor abre o livro nos lembrando que “a história é antes de mais nada uma narração” (p. 5). Em tempos das chamadas guerras de narrativas e reescritas históricas que estamos a viver, lembra-nos Faye: o processo propriamente dito da História manifesta-se em cada instante como duplo – ação e relato” (2009, p. 15).